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sábado, 18 de octubre de 2014

MADE IN USA:La mecánica del corazón







La mecánica del corazón: el "sur-realismo mágico" tiene acento francés

Leí "La mécanique du coeur" de Mathias Malzieu hace 6 años si no recuerdo mal y fue tal la emoción que este libro despertó en mí que desde entonces he estado esperando que se estrenase la película para ver si comprometía o superaba la novela. Todos sabemos que normalmente suele ser más de lo primero y menos de lo segundo. Pero en este caso la dirección parecía que iba a correr a cargo de Luc Besson, lo cual ya de entrada parecía una garantía de cierta calidad. Y la banda sonora estaba ya hecha y a disposición de todos pues, como es costumbre en Malzieu, después de escribir cada uno de sus libros se encierra en el estudio con su banda Dyonisos a componer la música que su propia historia le ha inspirado. Y en este caso contó con la colaboración de Olivia Ruiz, figura destacada de la escena del pop francés y clara influencia en la caracterización del personaje femenino de la película.

La película se estrena finalmente este viernes. No ha sido Luc Besson su artífice (demasiado ocupado con "Lucy") sino que la dirección ha corrido finalmente a cargo del inexperto Stéphane Berla, acompañado en el proceso del propio Malzieu, que de esta manera se ha asegurado de supervisar hasta el más mínimo detalle su proyecto más mimado y personal.

La atmósfera en la que nos hunde la película es tan onírica que uno se pregunta si está viendo la última obra de Tim Burton, asomándose a un cuadro de Dalí, leyendo un pasaje de Gabriel García Márquez o disfrutando con la última serie de la HBO.


El personaje principal, Jack, es el prototipo romántico y gótico de un joven que sufre por amor: pálido y enfermo pero resuelto a dejarlo todo por su enamorada. Si fuese mujer, podría ser una de las heroínas de las británicas hermanas Brönte. Pero es varón, está claramente inspirado en los rasgos físicos de su propio creador y podría perfectamente tratarse de una encarnación de Gustavo Adolfo Bécquer a juzgar por su intensidad sentimental.

Resultan estimulantes las referencias al momento histórico en el que sus creadores quieren emplazar el relato y en este sentido es curioso ver a Jack el Destripador persiguiendo al otro Jack en uno de los momentos más surrealistas de la película o comprobar cómo es Georges Mélies, padre del cine francés, quien va guiando al joven desvalido en su conquista amorosa a lo largo de algunas tomas que tienen un parecido asombroso con "Hugo", la película que hace X años rodó Martin Scorsese para rendir tributo a los orígenes del cine.

La película va desplegándose como un caleidoscopio de colores alucinógenos, una caja de sonidos mágicos, un cofre de aromas tibios, una paleta de sabores prohibidos, hasta llegar a un clímax perfectamente construido en el que la emoción se desborda y entre esfuerzos para aligerar el nudo que tengo en la garganta me digo a mí mismo que, en este caso, la película ha llegado incluso más lejos de lo que llegó el libro.

Como siempre, algunos pensarán que ésta es una película para niños porque ha sido contada mediante personajes animados. Pero quienes sepan ver más allá descubrirán una de las historias de amor más hermosas que se han contado en el cine en los últimos años



domingo, 12 de octubre de 2014

MADE IN USA: Las Tortugas Ninja





Tras el visionado de Las Tortugas Ninja, salgo del cine con una sensación agria. Pocas cosas tengo claras, pero una de ellas es que Skype ha puesto pasta. Otra es que no sabía que Pizza Hut era la favorita de mis héroes de niñez, pero ahora ya lo sé. Oigan, podría haber sido peor. Y no voy a ofender a nadie. A juzgar por los créditos iniciales se podría afirmar además que Jonathan Liebesman ('Ira de Titanes') es fan de la aplicación Fruit Ninja y que se ha pasado horas jugando a ella. Desde luego,  lo que no se le ha dado tan bien al señor Liebesman ha sido mantener intacta la imagen que teníamos de Leonardo, Raphael, Donatello y Michelangelo en nuestra memoria quienes crecimos con las tortugas mutantes y cumplir con las expectativas que teníamos puestas en esta película que viene anunciándose a bombo y platillo desde hace algunos meses ya. Los personajes aparecen caracterizados sin mucha gracia pero con demasiado músculo, con caparazones exageradamente grandes y hacen poco más que repartir tortazos a diestro y siniestro y decir chorradas.


 Por no hablar del maestro Sprinter, quien en otro tiempo fuera poderoso y venerable, aquí convertido en un ser repugnante de interminables bigotes, enclenque y sin ningún tipo de carisma. Megan Fox aparece esplendorosamente hermosa, aunque la April O'Neil que la mayoría recordamos tuviera más garra, más periodismo en sus venas y menos dulzura en general. Las imágenes de Nueva York son realmente espectaculares, pero echo de menos más alcantarillas y no tantos rascacielos, más oscuridad y no tanto color. 
No me malinterpreten: la película se mantiene fiel a algunos de los elementos característicos de la historia. Si es usted fan fan fan de Las Tortugas Ninja o de las superproducciones de Michael Bay seguramente disfrutará con esta película. Pero si no, se aburrirá soberanamente porque los cien minutos que tiene de duración se hacen bastante largos cuando uno espera encontrar una vuelta de tuerca, algo original, algún aspecto de la vida de estos personajes que no se haya contado con anterioridad y finalmente se da cuenta con desesperación de que eso no va a ocurrir. Cine vacuo poco agraciado. 


Relatos Salvajes/Sitges Film Festival




La película consta de seis historias que alternan, la intriga, la comedia y la violencia. Se inspira en los cuentos asombrosos (1985-1987), serie de televisión creada y producida por Steven Spielberg. Sus personajes se verán empujados hacia el abismo y hacia el innegable placer de perder el control, cruzando la delgada línea de lo que separa lo racional de lo irracional.




Damián Szifrón es conocido en España por el film "tiempo de valientes" con un carismático Diego Perretti como protagonista, acción y comedia eran presentes, pero con ese toque argentino, que la hace genuina. Su trayectoria tuvo continuidad en series argentinas, hasta que llega un avispado Almodovar y te dice: "voy a producir tu película, transformemos esto en una co-producción y dispongámonos a arrasar". Y así ha sido. 
21 nominaciones a los Premios Sur (Argentina), nominada a los Goya, seleccionada para los Oscars y bajo mi punto de vista, firme candidata. Ahora os explico las razones.

LLego a Sitges a primera hora de la mañana, dispuesto a ver una de las perlas del festival, el destino y mi buen ojo hicieron que antes de saber todo lo mencionado, un trailer me hiciera  no dudar en mi elección.
Un elenco de lujo, con mi actor "fetiche", Ricardo Darín, por algo es una de los relatos estrella, director y servidor confluimos en los términos actorales

Estoy muy ilusionado, no sólo por estar en Sitges, sino por hacerlo con auténticos amantes del séptimo arte, un jueves a las 9 de la mañana, hace falta algo más que amor por el cine.
Como si de un viaje se tratara, subimos a un avión, es el primero de los relatos... el enigma está en el aire, que va a pasar, que se nos presenta. La intensidad de los relatos sube, por tanto las turbulencias están aseguradas.
Lejos de mis símiles, hay crítica social, queja, realidad, sentimiento, denuncia.
Cada historia esconde las miserias del ser humano, la vergüenza, la carencia de valores y por encima de todo ello, está el decir basta.


Cuando eso se produce, los personajes brillan, porque están bien enderezados. Porque aparece el oscurantismo, el hartazgo de reír, la brutalidad.
Hay un retrato intimista que a mi especialmente me gano, porque es el reflejo social y pone muros en cuanto a lo que es razonable y lo que no lo es.Luego esta esa boda que define de forma súblime el conjunto.
Después de su visionado, no me quedo indiferente, he llegado a pensar que muchos de los relatos son posibles, que la gravedad de lo ocurrido es sólo su lado salvaje. El fin no justifica los medios, pero muchas veces, es necesario hacer ruido para ser escuchado.
Dicho lo cual, no hago apología de la violencia, sí de la vida y su realidad. Y esto amigos/as es el espejo dónde muchos en cualquier momento nos hemos visto reflejados. Huyendo evidentemente de la violencia, porque sabemos que la realidad muchas veces supera la ficción.
A todos los que alguna vez se han sentido explotados, engañados, robados y saqueados emocionalmente, no pierdan el tiempo y corran hacia su cine más cercano. No pretende más que ser ágil, divertida y con buenos diálogos. Te permite liberar a las neuronas y creer en la justicia, esa que no entiende de leyes y jueces, de la que se encarga el ser humano.






Más de dos millones y medio de argentinos no pueden estar equivocados, felicidades también a la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas Argentina, por su valentía, por escoger una apuesta segura. Nos queda tanto por aprender, lo de España de este año sólo muestra lo lejos que estamos de ellos, en cuanto a elecciones se refiere.


NOTA: 9
LO MEJOR: Su sencillez, su cercanía, sus historias,su armonía, sus personajes...la vida misma
LO PEOR: Te deja con ganas de más y sabes que no hay más que 115 minutos de exquisito guión.

domingo, 5 de octubre de 2014

Musarañas/Sitges Film Festival




España, Años 50, Montse (Macarena Gómez) ha perdido su juventud cuidando de su hermana pequeña, encerradas en un siniestro piso del centro de Madrid. Su madre murió en el parto de la peqeña (Nadia de Santiago), y el padre (Luis Tosar) no pudo soportarlo. Huyó cobardemente dejándolas solas. Obligada a ser padre, madre y hermana mayor, Montse se esconde de la vida, entre cuatro paredes, alimentando un temperamento obsesivo y desequilibrado: padece de agorafobia, yno puede dar un paso fuera de la casa. Encerrada en la religión crea su propio mundo. Montse trabaja de costurera y el único eslabón que la une a la realidad es la niña, una niña que está dejando de serlo.
Un día esa cadena se rompe: Carlos (Hugo Silva) un vecino joven e irresponsable, tiene la desgracia de caerse por las escaleras, buscando ayuda en la única puerta de la que ha sido capaz de arrastrase. Montse le recoge. Alguien ha entrado en la madriguera de las musarañas.
No todos los días, dos directores se encuentran con el regalo de que Alex de la Iglesia se convierta en tu "padrino" y abandere tu film con un elenco de lujo. El sueño de cualquier cineasta se les ha brindado a Juanfer Andrés y Esteban Roel. 
Con esta premisa, es fácil pensar que el film no nos va a dejar indiferentes.
Llego el Festival de Sitges,no llego en un jet privado porque no había buena combinación, así que decido hacerlo por carretera y en horas con poco tráfico. Hay un ambiente genial, la "zombiewalk" está en marcha y las colas frente a los stands de maquillaje rodean una parte del paseo. Unos 350 afortunados serán convertidos en zombies y deambularán por el pueblo hasta que llegue la hora del maratón de cine.


No os asustéis esta es la critica de Musarañas pero me apetecía describir con exactitud una velada terrorífica, antesala de la proyección del film.
Llego con la hora pegada, las dichosas colas hacen que uno tenga que correr por el auditorio para pillar un sitio decente.
Cuando empieza la proyección los aplausos abrazan a la figura de Alex de la Iglesia, asiduo del Festival y querido entre los adeptos a este tipo de género.
Me gusta su humor negro, el personaje de Montse me consigue atrapar, esos trazos de traumas psicológicos que la hacen tan inestable me crean una sensación de imprevisible que me atrae.

A medida que la película avanza tengo la sensación de que no es terror, es psicótico, no se aporta nada nuevo al genero. Pero nos permite ver a la protagonista brillar con luz propia, muchos la teníamos encasillada en la comedia y percibíamos su talento, pero aquí esta soberbia.

Carlos (Hugo Silva) es su conejillo de indias, el blanco de sus iras, si las cosas no se hacen cómo ella dice. Él no es consciente de dónde se ha metido, del dolor que puede llegar a sufrir. Pero la que sufre todas sus desdichas es la hermana. Alguien que no sabe la verdad y que ve como Montse se pierde en su locura.
Hay una primera parte de entretenimiento aceptable, pero lo realmente interesante empieza en la segunda parte del film. Justo cuando la béstia despierta, el humor negro está bien hilado y marca el hilo argumental de un aire "Iglesias". Supongo que ese fue uno de los motivos que produciera la película, ese y la letra pequeña que reza así: secundaria, mi novia Carolina Bang. Sé que sólo sale en mis "pelis" pero si queréis pasta también lo hará en esta. No seré yo el que juzgue el talento de Carolina, pero Alex en serio, no lo ves que eres el único que confía en ella. 

Un giro inesperado hacen que lo que parece previsible se convierta en "algo" sorprendente. 
Entretenida y más que aceptable,acabo con aplausos y eso en los festivales es un punto a favor.
Mira como fue la cosa, que cuando salía de ver la cinta, me encontré a Macarena Gomez y me dio miedo pedirle una foto, me miro con esa mirada tan peculiar y desistí en el intento.
El cine español está avanzando a pasos agigantados, no sólo por su puesta a punto, sino porque el público ya cuenta con ello en taquilla. Me alegro de ser parte de esa gente, que queremos que el cine hecho en casa, crezca en adeptos. A todos ellos, felicidades y a los que siguen dudando, dejaros de excusas y empezad a valorar el buen trabajo que se está haciendo.

NOTA: 7
LO MEJOR. Macarena es el alma y Luis Tossar el "troll" que el film precisa
LO PEOR. La ausencia temporal del humor negro, podría ser sin "prisa pero sin pausa".


Caminando entre las tumbas



Matt Scudder, un expolicía de Nueva York, trabaja como detective privado a pesar de que no tiene licencia, Cuando accede a regañadientes a ayudar a un traficante de heroína a cazar a los hombres que secuestraron y asesinaron brutalmente a su esposa, descubre que no es la primera vez que esos hombres han cometido ese tipo de crimenes. Entonces decide recorrer las calles de Nueva York para detener a los asesinos antes de que vuelvan a matar.

Scott Franck adapta la novela de Lawrence Block, esto ultimamente se está convirtiendo en una epidemia a escala general en Hollywood. No sé si es por la escasez de ideas o porque los libros contienen más sabiduría que muchos de los guionistas. El caso es que lo han vuelto a hacer, esta vez nos encontramos ante un film "pulp", podría ser pulpo porque se enreda a tu mente y no te deja ir, pero va a ser que no.
Cómo pasa muchas veces cuando el entusiasmo que siento por el cine decae, me dispongo a repartir leña a diestro y siniestro. Cuando descubro que el director forma parte del elenco de dirección en series como "Sensación de Vivir" y "Melrose Place", series que he visto fruto de mi adolescencia. Confieso que no he podido volver a hacerlo.
Un halo de misterio se apodera de mi ser, lógicamente el director, como yo, ha sufrido una evolución. Me quedaré con su último trabajo serio "the lookout" donde cosecho uno de los preciados premios en los Independent spirit Awards como "mejor ópera prima".

La atmósfera creada es la justa y su tono oscuro la embriaga pero no emborracha con ese néctar de acción y trama hiladas. Es justo ahí donde la historia pierde fuelle y se convierte en excesivamente larga,le sobra media hora aunque el director se empeñe en que no sea así. La poca premura y su premeditación me han terminado de ofuscar y desechar una mejor nota que infringirá todas las normas no escritas.
Me parece interesante destacar unos mandamientos que aparecen como si de la biblia se tratara y que le dan al personaje el poder que no posee para darle dignidad al final.
Sé que Liam Nesson se ha convertido en el padre superior de la acción, me podréis llamar nostálgico porque aún recuerdo ese fantástico personaje en la genial "Lista de Shindler. Desde entonces "Liam" y esto va dedicado a ti, tengo la sensación de que por un puñado de dolares has vendido tu talento. Y entre tú y yo "Nesson", tú no naciste siendo Bruce Willis. Empuñas el arma como nadie, pero la velocidad de tus movimientos es la de la cámara, no la de tu cuerpo. ¿Adoleces miedo a un personaje que te dignifique?

Después de mi oda a "Liam Nesson" os digo alto y claro, si es domingo no tenéis ganas de pelis de serie B y os apetece una cinta de poco recorrido, pero bien hecha, esta es la recomendación. Si por lo contrario tenéis un poquito de gusto, no hagáis como he hecho yo, caer en la tentación.

NOTA: 5,5
LO MEJOR: Liam Nesson es la caratula del film
LO PEOR: Previsible,lineal y en ocasiones acompañada de bostezos.


sábado, 27 de septiembre de 2014

La isla mínima



Dos policías, ideológicamente opuestos, son expedientados. La sanción consiste en ir a un remoto pueblo de las marismas a investigar la desaparición de dos chicas adolescentes. En un lugar anclado en el pasado, deberán enfrentarse a un feroz asesino.

Vuelve el director Alberto Rodriguez, ese que ya apuntaba maneras en la "sobrevalorada" Grupo 7, quizá sea por mi animadversión hacía Mario Casas que provoca rechazo al film, ya que Antonio de la Torre sólo forma un tándem aceptable pero no loable, como en el caso que nos ocupa.
No sé si eso o la voluntad férrea de apostar por el genero policíaco, el caso es que la "Isla Mínima" es un giro a nivel nacional de todo lo conocido hasta ahora. Hay pulso narrativo, hay un cine negro que ofrece tensíón a todos los niveles. Sin trampa ni cartón, hay una realidad de vidas convulsionadas por la tragedia, marcadas por la muerte y la redención.


La manía superlativa en la comparación en este país es una constante, es como "true detective", dicen muchos, hay similitudes pero también hay diferencias. Aquí se dibujan las escenas con un plano aéreo,ahí te percatas de la situación,  te metes de lleno en la acción.Como si de una pintura realista se tratará. Un policía encarnado en Javier Gutiérrez marcado por un carácter difícil y que por momentos, vive al margen de la ley, porque la ley se la toma por su cuenta. Otro policía, Raúl Arévalo es el que intenta arreglarlo todo con la dialéctica. Es justo en ese punto, donde los personajes se realimentan, crecen y evolucionan en el devenir de las situaciones.

Un pueblo que esconde secretos y mentiras, dónde todos tienen algo que decir. Todo el mundo posee una parte de la verdad para reconstruir el puzzle de las desapariciones.
Hay magnetismo y fuerza visual, prueba de ello es el juego con los elementos de la naturaleza y las miradas de los personajes, cada uno de ellos esconde una historia que nos ayudará a entender la complejidad del caso.He disfrutado de 105 minutos de pernoctación, eso me ayuda a dilucidar el entramado en el que me han instalado. La solución la encontraréis en la "isla mínima". 

El cine español, pese al abandono del gobierno, cuenta con talento y con films que justifican que el arte existe, que hay grandes películas con recursos mínimos, que la agudeza del ingenio está presente y que le pese a quien le pese hay cine para rato.
Desde mi humilde morada os empujo a las salas, que la fiesta del cine ayude a mantener el cine español donde se merece, en el top de la taquilla
Aprovecho también para invitaros al visionado de "la pantalla herida" un maravilloso documental del cine español, donde se debate de todas las cuestiones que preocupan a cineastas y gente del séptimo arte. El cine es cultura y estamos en la obligación de cuidarlo y valorarlo.

NOTA: 7,5
LO MEJOR: Su autenticidad, el genero policíaco en España existe, estamos de enhorabuena.
LO PEOR: Te deja con ganas de más



miércoles, 24 de septiembre de 2014

La mirada de Kirchner: Sant Sebastià

EL FESTIVAL DE SANT SEBASTIÀ:                                                                           RECORDS

NOSTÀLGIC PER UN PLAT DE BACALLÀ AL PIL-PIL


El Festival Internacional de Cine de Sant Sebastià va néixer durant el règim franquista, concretament
en el mes de setembre de 1953 i per iniciativa dels comerciants i restauradors de la capital guipuscoana. 
Tot i que va patir el rigor de la censura, qüestió que va provocar el buit de les productores 
nord-americanes, al cap de pocs anys el règim va comprendre que era una manera de començar a
obrir les portes a una posterior negociació amb la política exterior dels EE.UU.  
Per què, el cinema, pels EE.UU., és la segona indústria més important en les exportacions a tot el món.
Aquest festival també ha estat utilitzat com a tribuna europea per la producció sud americana de parla castellana i... un moment, per què estic parlant de tribunes, de finestres, d’importacions, de mercats, 
per iniciar un comentari sobre el Festival de Sant Sebastià?  Bé, doncs perquè els festivals de cinema 
són, bàsicament, això: finestres de difusió de les noves produccions que podrem trobar a les cartelleres setmanes, mesos després i, en més d’una ocasió, quatre dies després de presentar-se a les pantalles del Palau de Festivals donostiarra.
Un festival de cinema sols pot justificar-se, econòmicament parlant, si és una tribuna amb finalitats politiques o/i econòmiques. La Mostra de Venècia, per exemple, va ser promoguda en temps del 
feixisme italià; el Festival de Berlín (occidental) en temps de la guerra freda i dirigint les seves il·luminaries cap a les foscors del Berlín Est, capital de la desapareguda D.D.R.... O sigui que 
exemples no en falten.
Sant Sebastià, ara, és un festival considerat dels modestos entre els set reconeguts com a competitius
per la Federació Internacional d’Associacions de Productor de Films. Té un mercat modest, 
molt limitat si el comparem amb Canes i el mateix Berlín, però segueix intentant sobreviure 
en un temps d’extremes dificultats  financeres.
El que ningú pot discutir-li, i certament que ningú ho fa, és que Sant Sebastià és el festival on millor 
es pot menjar a qualsevol preu. Venècia i Berlin sols poden oferir unes cartes interessants 
si un porta la Visa d’Or. Canes és més obert al “plat du jour” i, si ets un dels ‘habituals’
sabràs on pots trobar un bon ‘repàs’ a un preu assequible. Però... Sant Sebastià... 
Sant Sebas és com tenir els fogons de l’àvia al costat de les pantalles de cinema! Durant molts anys 
 Casa Nicolasa era lloc de trobada dels crítics de Madrid i Barcelona (i altres ciutats, clar) on podies 
estar parlant de Marlon Brando o de Nicholas Ray mentre et queien les llàgrimes amb 
l’especialitat del xef: el bacallà al pil pil...
Potser pensareu que és una disgregació senil tots aquest comentaris. Evidentment que ho són. 
No ho discutiré. Però pertanyen a una època en que havies de fer mans i mànigues per poder 
entrar en el paradis dels festivals,  elque volia dir tenir les portes obertes a veure pel·lícules que,
algunes vegades, no arribarien mai a les sales per causa de dos fortes censures espanyoles:
la política i la comercial. Però d’això ja en parlarem en una altra ocasió.

Enyoro el festival de Sant Sebastià. Enyoro la Kim Novak i aquell somriure que guardo en una 
fotografia en la que es pot veure a un xitxarel·lo al seu costat que estava fent-li unes preguntes per
a “La Vanguardia”. Enyoro als meus col·legues d’aquella època: la Pilar Miró, en Fernando Moreno,
en Diego Galán, en Carlos Pumares, en Jaume Figueras. En Jaume és com el darrer mohicà 
doncs de tot aquest grup és l’únic que avui està a Sant Sebastià.  Ahir vaig preguntar-li 
si havia anat ja a casa Nicolasa i m’ha dit que fa quatre anys que ha tancat... 
Abans de que arribi el fred hivern... potser haurem desaparegut i de nosaltres sols quedarà
alguna pàgina en algun arxiu o biblioteca... o en algun blog de bons i joves amics.

lunes, 22 de septiembre de 2014

MADE IN USA: Joe





"Joe se estrenó en las salas españolas precedida por apenas ruido. La película tiene el sello profundo de su director, David Gordon Green, con un elevadisimo número de localizaciones exteriores y su crudo retrato de la sociedad rural norteamericana. Por otro lado, parece ser el último intento de Nicolas Cage por dar una énesima vuelta de tuerca a su carrera, esta vez inclinándose por el cine independiente. 
Sin embargo, no pocos han alabado su interpretación en esta película, que tachan de contenida pero poderosa. Para un servidor Nicolas Cage siempre será Nicolas Cage. Ni ardo en pasión ni me provoca urticaria. Me deja tibio, sin mas. Y lo mismo me ocurre con su papel en "Joe" por mucho que algunos se deshagan en halagos. Sin embargo, el verdadero milagro interpretativo de la película corre a cargo del tándem Sheridan-Poulter. Padre e hijo en la historia de segundas oportunidades y autosuperación que nos quiere vender Gordon Green, estos dos personajes resultan tan verosímiles que duelen.



 El espectador sentirá rápidamente la empatía por el hijo, maravilloso Tye Sheridan (el árbol de la vida). Sus ganas de vivir, de encontrarse consigo mismo y de dejar atrás la amargura de un padre constantemente borracho que le maltrata a él, a su madre y a su hermana, contagiarán con entusiasmo prácticamente a cualquiera. El personaje que encarna Gary Poulter, un vagabundo de Austin (Texas) que no volverá a actuar frente a una cámara pues murió en las calles un mes después de que se acabase de rodar la película, remueve las tripas con tal fuerza que es difícil olvidarlo. Aderezada con un guión que, si no resulta de pata negra, al menos fluye con cierta gracia, "Joe" se deja ver bastante bien sobre todo por quienes con tal de ver algo que huela a independiente rebajan su nivel de expectativas. 


NOTA: 6

martes, 16 de septiembre de 2014

Boyhood (momentos de una vida)



Drama rodado a lo largo de 12 años (2002-2013) pero en solo 39 días de rodaje. Es la historia de Mason (Ellar Coltrane) desde los seis años y durante una década poblada de cambios: mudanzas y controversias, relaciones que se tambalean, diferentes colegios, primeros amores, también desilusiones, momentos maravillosos, de miedo y de una constante mezcla de desgarro y sorpresa. Un viaje íntimo y épico por la euforia de la niñez, los sísmicos cambios de una familia moderna y el paso del tiempo.
Richard Linklater lo ha vuelto a hacer, crear esa armonía de emociones a través de los fotogramas. Hablar del amor con esa terminología de los sentimientos que sólo unos pocos saben hacer. Los que no tuvimos bastante con "antes del anochecer" y "antes del amanecer" estamos de suerte. Todos sabemos que crear un concepto no es fácil en el cine, puesto que a veces uno tiene la sensación de que todo está creado. Cuando confluye una idea de esta magnitud con algo tan mundano pero a la vez tan ruidoso,la vida. Uno respira ese aroma del cine más intimo y personal, ese que te deja reflexivo y pensativo. En el que cualquiera puede sentirse reflejado. Siento que han perpetrado mi alma en el minuto uno. justo en el momento en que "Coldplay" con su dulce "yellow", enfoca a un niño encerrado en sus pensamientos, esa mirada que cala hondo y que te transporta al pasado.


Si os digo que el protagonista es cualquiera de nosotros no miento, hay momentos para todos.
No es sólo una década en la vida de Mason, es una "retrospective" musical y cinematográfica. He logrado sumergirme en los parajes más inhóspitos de las emociones. 
Eso de que lo más normal puede resultar lineal es cierto pero en "boyhood" se trazan líneas distintas, todo cobra sentido y el viaje emocional ha cobrado vida. Una familia de ficción se ha convertido en la tuya propia, con sus luces y sus sombras.


Me refugio en mis recuerdos para ser parte de los suyos, tengo el privilegio de verle crecer y ser parte de sus alegrías y decepciones.
La magia del cine se resume en 165 minutos de vida a lo largo de 12 años cargados de magnetismo y generosidad. He sido pasto de la descripción de la américa tejana y de sus entornos musicales, he cerrado los ojos y he viajado en mi máquina del tiempo particular. Me siento en la cápsula y veo la grandeza de crecer, de envejecer, de vivir. 
Todos aquellos que crean que el cine son muestras de valores y quieran viajar con buena música y ligeros de equipaje tienen una oportunidad única, no la desaprovechen.

NOTA: 8
LO MEJOR: Esas charlas reflexivas que cuestionan y que muestran las inquietudes de los personajes
LO PEOR: Un final tan abierto pero con tanta simbología

sábado, 13 de septiembre de 2014

La mirada d'en Kirchner

S'han acabat les vacances (celebrada la Diada i amb el curs lectiu que comença dilluns) i sembla que estem retornant al dia a dia de la resta de l'any.

Estem a punt per reobrir els "Sopars de Cinema" i retrobar-nos amb tots els tertulians que ens vulguin/puguin acompanyar en les sessions que tornem a convocar. La primera, el pròxim dimarts, dia 16,a les 20:00, amb la pel·lícula de Josep Maria Forn "La piel quemada" (1967), en un acte que la Fundació Paco Candel ha inclòs en les activitats de la commemoració del 50è aniversari de la publicació de la novel·la "Els altres catalans". 

Aquest és el motiu de programar-la, però també podrem comprovar si, passat tot aquest temps, les circumstàncies que presenta la pel·lícula han canviat molt o poc. I ho farem amb la presència d'en Josep Maria Forn que ens acompanyarà al sopar-col·loqui.

D'altra banda, avui divendres, el Boliche Cinemes estrena una pel·lícula de Philippe Claudel de la que estic segur que se'n parlarà:"Antes del frío invierno", amb Kristin Scott Thomas, Daniel Auteuil i Leïla Bekhti interpretant els principals personatges.  En principi és el film que podríem presentar en la següent sessió, la del dimarts 23.  Ho senyalo perquè si teniu la intenció d'anar-la a veure sapigueu que podreu fer-ho amb nosaltres... 

Trobareu tota la informació sobre "La piel quemada" en el fitxer adjunt. L'operativa de reserves, preu, etcètera, segueix sent la mateixa, així com el restaurant, tot i que ens han promès que intentaran millorar els menús... Nosaltres també intentarem fer-ho millor.

Us hem enyorat una mica i espero que ens retrobarem el pròxim dimarts. 
Cordialment,

Antoni Kirchner



Si penses assistir-hi, cal que ho confirmis. Pots fer-ho enviant un email a la direcció de Boliche Cinemes,bolichecines@bolichecinemes.cat, o bé a mi mateix <antoni@kirchner.cat> . El límit per a la reserva és el mateix dimarts a les 13:00 hores.

Recordeu que podreu trobar informació d'aquestes sessions al nostre blog http://soparsdecinema.wordpress.com/




miércoles, 10 de septiembre de 2014

MADE IN USA: Casi Humanos


                                                   
                           
               
"Casi Humanos" es de esas películas que todos alguna vez sentimos la irremediable necesidad de ver. En ocasiones nos dejamos llevar por el calor y la comodidad de nuestro hogar y a la hora de la siesta sobretodo los domingos cedemos al influjo de este tipo de cine tan cautivador como inocuo que se nos suele presentar en la televisión. En otras ocasiones algunos vamos más allá e incluso pagamos una entrada de cine. No importa el género de la película que vayamos a ver. El tipo de cine al que me refiero goza de tal estatus que está por encima de géneros y formalidades. Algunos lo han llamado guilty pleasures recurriendo a una expresión de la lengua global que podría ser traducida al castellano como "placeres que te hacen sentir culpable" más o menos.
Yo voy a ser menos global y menos diplomático pero más sincero al fin y al cabo: me refiero al cine malo, con guiones pésimos, interpretaciones patéticas y montajes ridículos. Y eso es exactamente lo que es "Casi Humanos": un intento de película de ciencia ficción y de terror que mezcla extraterrestres que se comportan como zombies con personajes principales que arrancan risotadas cuando pretenden engañarnos y hacernos creer que lo están pasando mal porque tienen miedo
Algunos han hablado de homenaje a las películas de terror de los años ochenta. Un servidor no ve nada de eso por ningún sitio. Aquí todo vale. Pero lo cierto es que como no tiene grandes pretensiones ni se toma demasiado en serio, la película me va cayendo más y más bien a medida que la voy viendo. Mis expectativas están en niveles negativos desde el primer segundo de metraje, y sin lugar a dudas ésa es la clave. Pero el caso es que los 80 minutos que tiene de duración se me pasan volando y me estoy divirtiendo bastante. Mañana la habré olvidado. En seis meses, alguien me preguntará si la he visto y tendré que hacer verdaderos esfuerzos por recordar. Pero ahora me divierto sin pensar en nada más. ¿Acaso no es eso entretenimiento?
         
Valoración: 5/10


miércoles, 3 de septiembre de 2014

El niño



Dos jóvenes, El niño y el compi, quieren inicarse en el mundo del narcotráfico en el estrecho de Gibraltar. Adrenalina y dinero fácil al alcance de cualquiera capaz de atravesar esa distancia en una lancha cargada de hachís volando sobre las olas. Por su parte Eva y Jesús son dos agentes de policía antidroga que llevan años intentando demostrar que la ruta del hachís es ahora uno de los prinipales coladeros de la cocaína en Europa. El inglés,el hombre que mueve los hilos desde Gibraltar,su base de operaciones. La violencia creciente de las advertencias que reciben les indican que sus pasos van por buen camino.Los destinos de estos personajes a ambos lados de la ley terminan por cruzarse para descubrir que el enfrentamiento de sus respectivos mundos era más peligroso,complejo y moralmente ambiguo de lo que hubieran imaginado.


Daniel Monzón ex-crítico y periodista además de director de la exitosa "celda 211", hombre de cine y con una idea clara de lo que quiere ver y como.Un acierto seguir por el camino del thriller puesto que de buen seguro tiene muchas historias que contarnos.

No puedo disimular mi curiosidad por el personaje principal  (el niño)y su pareja en la pantalla, son nuevas caras en el cine español y eso siempre es un buen reclamo,teniendo en cuenta que venden imagen. Pero lejos de marketing que eso es cosa de Mediaset. Me dispongo a ver 130 minutos inspirados en hechos reales, personajes creíbles con historias convulsas.

Una vez las luces del cine se apagan se pone en marcha el engranaje del mundo de la droga, Monzón nos sumerge en sus "trapicheos" en su día a día. Dos amigos que quieren romper con la rutina del mileurista y sueñan con tener todo lo que quieran, sin ser conscientes de todos los peligros a los que se enfrentan.
Por otro lado, los policias Jesús y Eva quieren desarticular una red de dimensiones desproporcionadas y desconocidas que opera en el estrecho.
Con un guión documentado y contundente la trama transcurre con la intensidad necesaria para mantener la atención del espectador, su belleza visual y su fuerza la hacen estar a la altura de cualquier producción de Hollywood. Y eso amigos, en el cine español no sólo es un logro sino un mérito. Porque hacer cine de calidad en España es posible.
Gracias por esa maravillosa persecución con helicóptero de por medio, eso es una inyección de adrenalina en estado puro y un "zasca" a todos los que decían que aquí no sabíamos hacer escenas de acción.
El protagonista y su pareja no pasarán a la historia por sus dotes de actor, pero tienen esas miradas que atrapan y ese giro de cabeza de el "Niño" que muestra alguien sin temor,sin miedo a nada.
Tossar es ese actor que quieres que Monzón siempre tenga en sus películas, sabes que es un seguro de vida,que le dará al thriller todo lo que te pueda faltar de otros personajes. Todo el elenco conforma una historia que te saca sonrisas y momentos de reflexión.
Después de mucho tiempo, por fin alguien me deja pagar una entrada de cine sin decepcionarme,sólo dándome lo que siempre pido a gritos: Entretenimiento!!
Para muchos será una mezcla de la serie el Príncipe de tele 5 y policías de la sexta, para mi es el cine español que yo quiero ver,ese que huye de Torrente y se acerca a lo que el gran público pide, calidad por encima de la mediocridad.

NOTA: 7.5
LO MEJOR: Ese giro en la trama que no esperas, hace que todo quede perfectamente hilado
LO PEOR: la presencia del tabaco en todos sus personajes, es innecesario, incita a su consumo.

martes, 2 de septiembre de 2014

MADE IN USA: Khumba



Khumba, ópera prima de Anthony Silverston, es una película de animación sudafricana que se estrenó el año pasado con no poco éxito en su país de origen, pero que ha tardado en llegar hasta el nuestro. Está prevista una secuela para el 2015 y, con un poco de suerte y gracia divina, si se estrena en Sudafrica el año que viene, en España podamos disfrutar de ella -quizás- en 2016. Khumba narra la historia de una cebra peculiar que tiene solo la mitad de su cuerpo rayado y que es acusada por el resto de miembros de la manada de traer maldiciones a su comunidad.

El diseño gráfico y la animación de la película son más que aceptables teniendo en cuenta que el estudio detrás de la producción no es Disney-Pixar o Dreamworks, con lo cual el presupuesto presumiblemente tampoco habrá sido el mismo.



A pesar de un villano que no se entiende muy bien qué quiere y de un desenlace cuanto menos apresurado,  la trama fluye con bastante gracia con algunas reminiscencias a El Rey León o incluso a Madagascar que a algunos complacerán y a otros molestarán.

En ocasiones tengo la sensación de que se va a arrancar en un musical con tal de alinearse con los referentes a los que hace alusión y ser así un producto más "coherente", pero al poco me doy cuenta de que no se atreve a hacerlo. O quizás en esto sí se note la falta de presupuesto.



Sin embargo, lo que es para gusto de un servidor poca valentía en el enfoque, pocas agallas a la hora de crear algo si no nuevo al menos memorable -y elevar la animación a los altares de género cinematográfico mayor de donde nunca debería salir- se convierte en contundencia si hablamos del tema sobre el que trata la película. Si no fuera por esto, Khumba no sería más que una película de dibujos animados que cumpliría decentemente con el objetivo de mantener a los niños entretenidos durante hora y media.

Pero Khumba se convierte en una película de animación necesaria de obligado visionado en las escuelas al tratar el tema de la diversidad. No es la primera ni mucho menos. De hecho, hay innumerables antecedentes en el terreno mismo de la animación. Pero no obstante, esa cebra que es diferente y cuyo sueño es ser como todas las demás cebras despierta una ternura sin igual que nos hace levantarnos contra la estupidez humana y replantearnos la concepción de "lo normal". Porque, damas y caballeros, lamentablemente, las cebras no son más reacias a la diversidad que las personas. Khumba podría ser uno de los niños y niñas de color blanco  que nacen no todos los días pero sí todas las semanas de un padre y una madre negros en el continente africano y que son discriminados porque aún en el siglo veintiuno hay quien cree que albergar un niño albino en la familia es sinónimo de mala fortuna. Khumba podría ser uno de estos niños o niñas tristes, pero en cambio su belleza se revela en el momento en que comienza a aceptar su diversidad como un rasgo propio y único. En ese momento, el niño que ha crecido siendo un paria entre sus semejantes se convierte en alguien tan hermoso como la modelo afroamericana Diandra Forrest, quien ha hecho de su rareza un símbolo de belleza y éxito. A veces, todavía, del cine se pueden sacar grandes lecciones.


Valoración: 6/10                                        By framecultureediciones.blogspot.com desde USA
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jueves, 28 de agosto de 2014

Lucy



Johansson da vida a una mujer obligada a ejercer de mula (de drogas) y que adquiere poderes sobrenaturales cuando la bolsa de la droga se  rompe y los narcóticos entran en contacto con su cuerpo. Entonces se convierte en una máquina de matar, adquiere una mente prodigiosa y la velocidad del rayo.

Hablar de Luc Besson es hablar de un referente europeo en la época de los 90, me hizo pasar grandes momentos con el quinto elemento y con el profesional, dispares pero con un denominador común, la acción. Pero no nos engañemos, los viejos tiempos no volverán.

Lucy es un producto meramente comercial, se sostiene por Scarlett Johansson y lejos de eso, hay poco recorrido. Esta actriz es el paradigma del éxito seguro.
Urdido como si de un gran filme se tratara, cierto aire de Milla Jockovich pero con más masa corporal, Superhéroe con aires de grandeza que resulta como una droga, te vuelve efusivo en un principio y termina por darte un bajón, digno de la peor droga.

He pagado por Lucy porque soy un hombre de fe, alguien que cree que los directores infieles pueden volverse fieles y dejar de vender productos para vender calidad, sin degradarlo a la categoría del olvido. Cuando Lucy está al 50% de su famoso 100% a mi ya me van sobrando minutos de film, nunca pensé que llegar al máximo rendimiento de su cerebro suponía atrofiar el del pobre espectador.
Lo que empezó siendo una promesa de algo bueno e imprevisible, se convierte en pesadumbre.Uno piensa: "Luc Besson, de verdad crees que cuando el cerebro aumenta sólo hace memeces".
La aparición de Morgan Freeman refrenda mi oscuro pensamiento, se puede ser más pesado repitiendo ciertas frases que són parte del circulo vicioso del film.

Su búsqueda filosófica no es más que un intento de encontrarse en el camino,de salir del lodo, de dejar perderse en la  publicidad subliminal...peugeot, evian...etc
Si el médico os ha recetado los medicamentos necesarios y creéis que podréis aguantar el ataúd, adelante,sino es así haced como yo, aprovechad los últimos días del verano. La cartelera hace honor a él y nos deleita con chocolate que se te puede indigestar,a mi me ha pasado.


NOTA:5
LO MEJOR: Este film sin Scarlett no hubiera recaudado todo lo que ha llegado a recaudar,Ya se puede canonizar.
LO PEOR: Su final, cuando uno no sabe como acabar,hace una soberana estupidez y felicidades Luc Besson,tú lo has hecho. Además has sacado esta frase de mis adentros :"PUES VALE!!