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domingo, 30 de marzo de 2014

Capitán América: El soldado de invierno


Tras los acontecimientos acaecidos en Nueva York con los Vengadores,Steve Rogers, alias el capitán América, vive tranquilamente en Wahington D.C intentando adaptarse al mundo moderno. Pero cuando atacan a un colega de S.H.I,E.L.D, Steve se ve envuelto en una trama que representa una amenaza para el mundo.
Junto con la ayuda de la Viuda Negra intentarán desenmascarar a los conspiradores.Cuando descubren la magnitud del problema ,se unirá a ellos Halcón. Los tres tendrán que enfrentarse a un enemigo poderoso y sigiloso,el Soldado de Inverno.

Anthony y Joe Russo además de hermanos, son directores de cine y televisión. Su mayor logro fue ganar un "Emmy" por la serie de comedia "Arrested Development". Dirigen de manera conjunta la mayoría de sus trabajos, también en ocasiones trabajan como productores y guionistas. En enero de 2014 han firmado para volver a dirigir la tercera parte del Capitán América, cuya fecha de estreno está prevista el 6 de mayo de 2016, oséase que tenemos secuela para rato.

Reconozco que no soy un fan acérrimo del Sr América y os lo defino en dos palabras, "patriotismo cansino".
Hay superhéroes que nacen con la voluntad de salvar el mundo y otros como el capitán lo salvan pero además lo aleccionan con clases de patriotismo. De ahí mi indiferencia hacia el susodicho.
Una vez explicada mi frialdad ante el personaje,el señor Chris Evans interpretándolo me despierta simpatía y pienso: "que majete". Sin embargo, el film creo que se pierde  por la cantidad de veces que nos repite la trama y el fin de los personajes,llegue a contar unas diez veces. 

128 minutos dan para mucho y con suma facilidad se podría acotar. Más que nada porque no sólo me dolía el "pompis" sino que provocaron en mi una extenuación inusitada.
Sres Russo entendí la diferencia entre el bien y el mal.
Pese a ello, no seria justo que no resaltara el entretenimiento, la adrenalina constante en las escenas de acción, el esfuerzo por resaltar las virtudes del "Capitán América". A veces la acción desmesurada hace que uno se pierda en la velocidad de los fotogramas, aún así , uno logra encontrarse en la batalla de los puños y patadas.

Importante la presencia de la Viuda Negra, no cabe en mi mente otra actriz para el papel que la Sra  Scarlett Johanson, sexy, luchadora y con ese punto canalla del que adolece el film.
El tercero en discordia el Halcon podría ser un personaje de "copia y pega," le da a la historia el toque terrenal que le hace falta, "superhéroe de ir por casa".
Mis queridos Robert Redford y Samuel L Jackson cumplen con la sobriedad  lo que  les predispone su papel jerárquico en los Shield. Pero no puedo evitar hacerles mi pequeña reprimenda desde mi humilde morada,alguien debería decirles que una retirada a tiempo es una victoria.Sobretodo en el caso de Redford, muy decrépito y con movimientos ligeros para que no percibamos su decadencia.

Luego esta el malo, "el soldado de invierno", no entendía porque lo llamaban así, hasta que veo que está mas muerto que vivo y que más que darte rabia, te produce pena. Muchos pensarán este tío está dinamitando el cómic de una manera irrefrenable. A todos ellos les digo: "no me desagrada".
Obviamente podría ser mejor pero también podría ser peor, poco a poco las historias de Marvel van atinando más en la pantalla y logran su intención, entretener.
Su predecesora se lo puso muy fácil, hacer una segunda parte mejor es el mérito y el demérito es alargarla con premeditación y alevosía.

NOTA: 6,5
LO MEJOR: Esencia Marvel por momentos, vislumbrando el cómic en dosis elevadas.
LO PEOR: El reflejo de la infancia del Capitán, apreciamos demasiado los efectos digitales.



lunes, 24 de marzo de 2014

The Gran Budapest Hotel (El gran hotel budapest)



Gustave H. (Ralph Fiennes) un legendario conserje de un famoso hotel en la Europa de los años 30. Entabla amistad con Zero Moustafa (Tony Revolori), empleado al que convierte en su protegido. La historia trata sobre el robo y la recuperación de una pintura renacentista de valor incalculable y sobre la batalla que enfrenta a los miembros de una familia por una inmensa fortuna. Como telón de fondo los levantamientos que transformaron Europa durante la primera mitad del siglo XX.


Wes Anderson es sin duda una de los realizadores más personales del cine actual, con una estética muy cuidada y un estilo circense en el que hay cabida para todo tipo de personajes.
Eso nos quedo muy claro y patente con Moonrise Kingdom un film irreverente y con una latente transgresión, ahogándose en las miserias y riquezas de sus personajes.

He de confesar que hacía tiempo que una historia no despertaba en mi tanta atención, siendo justo diré que cuando me siento en la butaca del cine sé que lo que voy a ver es puro Anderson. Os preguntaréis que como me atrevo a afirmarlo tan rotundamente,yo os cuento.
Analizo la gente de mi alrededor y todos tienen una estética "freak",espectadores que como yo adoramos la tragicomedia y los directores diferentes. Que sabemos que los buenos guiones se sostienen con buenos personajes. Que la magia del cine es ver los relatos hilados en los ojos de los protagonistas. "Que las comedias divertidas  no se sostienen de un teta,culo y pedo".
Después de esta declaración de cinéfilo ya puedo hablar con más celeridad de lo que he tenido el privilegio de ver


Un hotel color chicle, nos muestra como si de una casa de muñecas se tratara las actividades de uno de los mejores hoteles en la Europa Austro-hungara. Un perfecto Ralh Phiennes encarna a Gustave un conserje que vive con una elegancia impropia de su condición social. De esta manera aprovecha sus encantos para seducir a mujeres de edad avanzada y "darles placer".
El problema vendrá cuando una de esas mujeres muere y le deja como herencia un cuadro de un valor incalculable.A partir de ahí empezará el calvario de Gustave y su amigo y empleado Zero. Asesinato y muerte natural son las posibilidades que se barajan. 
A partir de ahí todo resulta histriónico,hilarante y hipérbole. Un hijo de una difunta que es un rufián, un asesino sin escrúpulos amigo del susodicho. Un abogado justo,un absurdo policía y así una infinidad de personajes con su toque peculiar.

Se inicia así una persecución que en muchos momentos puede resultar una mezcla de kick ass y el quijote de los años 30. Anderson ha sabido con una estética cuidada y con unos giros predecibles pero sorprendentes crear un film único. Salí de Moonrise Kingdom, con una sonrisa permanente y con una frase "este tío es un genio"
Ahora sólo puedo reafirmarme y darle mi bendición, una genial banda sonora acompaña la trama y los colores son arma arrojadiza para crear momentos y situaciones.No perdáis tiempo, sacad vuestra entrada y prepararos para viajar al país ficticio de Zubrowka donde os van a dar la bienvenida en un hotel dónde  hay lujos y una educación exquisita .Un elenco de lujo con un historia de enredos,amor y aires bucólicos.Pero sobretodo un film en extinción, hay muchas maneras de hacer cine pero sólo una lo dota de único,hacer una adaptación de Stefan Zweig cuyo estilo se puede calificar de todo menos divertido.



NOTA: 8,5

LO MEJOR: Cada plano de la película es un festín de ideas,una locura de poesía en movimiento.
LO PEOR: Mirar a Zero y tener la sensación de ver al doble de "Slumdog millionaire", lo aborrezco

sábado, 7 de diciembre de 2013

3 bodas de más



Ruth (Inma Cuesta), trabaja como investigadora en una universidad y asiste atónita a las sucesivas invitaciones de bodas de los que fueron los "hombres de su vida". A todo esto, ella no encuentra su media naranja y se decide a ir a las bodas acompañada del nuevo becario.
¿Hay algo peor que tu ex-novio se case con otra y te invite a su boda? Sí, que te pase tres veces en un mes.
Un alérgico al compromiso, un surfista pasado de rosca y un transexual convertido en pibón. Ruth tendrá que enfrentarse a su pasado y decidir con quién quiere compartir su futuro.




Javier Ruiz Caldera es un experto en comedia venido de menos a más bajo, desde mi humilde prisma. Entiendo que Spanish Movie (2009) fue un experimento resultadista, con las formulas americanas y con el maestro de la comedia ochentera Leslie Nielsen. En Promoción fantasma (2012) se sirvió de una formula parecida pero con diferencias notables ya que allí nos mostró su sello, su manera de entender la comedia. Aún así, muchos echamos en falta la mala leche de la comedia gamberra, que era muy entrañable y correcta.
Sin embargo,en 3 bodas de más se conjugan las premisas para que una comedia sea desternillante, comedia de enredo, gags trabajados y estructura simple pero efectiva.



Tenía muchas dudas, aunque sabía que tenía buenas críticas pero... perdonad mi escepticismo en el cine español en cuanto a comedia se refiere.Creo que el recurso "teta, culo y pedo" debe ser bien utilizado para resultar gracioso y no cansino. Ruth (Inma Cuesta) se sale de la pantalla, su gestualidad hace intuir cada escena y uno piensa de manera constante: esta la va a liar. Ruth es como "Betty la fea", que todos sabemos que va a ser guapa porque vemos más allá de las gafas de pasta. Sabemos que tiene carácter, pero que no lo saca porque se ha hecho pequeña por sus anteriores relaciones frustradas. Sin embargo, su madre encarnada en Rossy de Palma se encargará de recordarle cómo debe ser y cómo debe actuar. Papel que encaja a la perfección en Rossy, una mujer sin manías que hace y dice lo que le place en todo momento


El plantel es de lujo, el gran Paco León, que en comedia se ha convertido en un referente en España por su papel en la serie "Aida". Él es un surfista alocado que decide sentar cabeza. En mi opinión, sus escenas son  de los  mejores momentos del film, sin ningún tipo de duda.
La boda del transexual tiene jugo puesto que tira de humor negro y gags trabajados. La música es el hilo conductor y eso lo sabe Caldera, que maneja los tempos como si de un director de orquesta se tratara. Hay dos momentos musicales geniales que os invito a descubrirlos, pero no seré yo quien revele nada.
No podemos olvidarnos de Quim Gutierrez, uno de los pesos pesados del film. Funcionó muy bien el tándem Cuesta-Gutierrez en Primos y en ella teníamos una Inma Cuesta más comedida. Hay que agradecer al director que le haya dicho: "suéltate y sorprende al público que te tiene encasillada en el drama".
Es una mezcla de los films de los Farrelly y del film "Agárrame esos fantasmas".
El guión no decae en ningún momento y la comedia española tiene en Caldera el nuevo referente.



Para los indecisos, los que engloban el cine español en Torrente y demás visionados de cine casposo, hay una película que espero que se asiente en la cartelera y corra con el boca a boca. Yo, desde mi humilde morada, pondré mi granito de arena para que así sea.
Mi media sonrisa duró de principio a fin y no es fácil, me había acostumbrado a pasar de largo por la cartelera en cuanto a la comedia se refiere, porque mis decepciones iban en aumento. Queda demostrado que hacer comedia en España es posible y hacerla con imaginación y con talento también, visto lo visto, tarea nada fácil. 3 bodas de más es lo que es, gracias a los geniales guionistas Pablo Allen y Breixo Corral, surgidos de la televisión y que deben compartir laureles con Caldera.

NOTA: 7

LO MEJOR: El despertar emocional de una Inma cuesta que se harta de recibir decepciones.
LO PEOR: El final a lo "muchachada nui" me deja "bueno, vale, de acuerdo"
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jueves, 28 de noviembre de 2013

Blue Jasmine





Jasmine, una mujer rica y glamourosa de la alta sociedad neyorquina, lleva una vida elitista que cambia de la noche a la mañana, encontrándose, de repente, sin casa y sin dinero. Arruinada, decide irse a vivir con su hermana Ginger a San Francisco, una mujer de clase trabajadora que vive en un pequeño apartamento. En uno de los peores momentos de su vida, Jasmine sólo puede saciar su crisis con antidepresivos y recordando tiempos mejores.



Hablar de Woody Allen es hablar de guiones enrevesados mezclando humor y drama. Cada film tiene un denominador común: un buen reparto y muchas localizaciones que, por defecto, las convierte en más internacionales. Pero lejos de obviedades, Allen es para muchos de nosotros un director que sabe como nadie retratar situaciones, independientemente de su carga emocional.


En Blue Jasmine pasan dos cosas y que, bajo mi punto de vista, son destacables. El retrato de la alta sociedad es genuino y sus miserias lo cargan de realismo, nos hace ver las dos caras de la moneda. Sin embargo, Allen se pierde en estereotipos y, a veces, puede resultar tedioso.

Pero si algo no se le puede reprochar es que tiene un ojo clínico con los protagonistas y Cate Blanchett luce, no sólo con su mirada altiva, sino también con la descarga depresiva en forma de carácter disfuncional.


Baldwin, en su papel de rico truhán, nos muestra el reflejo de la crisis de valores; del todo por el dinero. Mensaje que cala en Jasmine y que la hacen sentir perdida cuando carece de él. La hermana de Jasmine me resulta carente de chispa, pero su novio es justo la
parte de humor que necesita la historia.
Con pequeñas dosis de Match Point, pero sin tener nada que ver con ella, y con muchas más similitudes con Un tranvía llamado deseo, sobre todo cuando se acumulan las peleas. Con una linea argumental satisfactoria nos transporta a la caída libre de la vida cómoda a la incómoda. Pasajes de la vida con altibajos emocionales.
Si esto no puede sonar a entretenido, lo es, ya que lo convierte en humor negro.



Si queréis ver una gran interpretación de Cate Blanchett que va de lo cómico a lo trágico y cargado de matices, este es vuestro film. Todo ello, a buen seguro, va a provocar un impacto emocional en el espectador.

NOTA: 6

LO MEJOR: Su intención terapéutica
LO PEOR: El personaje de Ginger (su hermana) que, por su relevancia, debería aportar más.
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viernes, 8 de noviembre de 2013

La Vie d'Adéle (La vida de Adele)



Con 15 años Adèle (Adèle Exarchopoulos) no duda que una chica debe salir con chicos. El problema es que las dudas son sobre su propia sexualidad. Así que cuando una noche se enamora inesperadamente de Enma (Léa Seydoux), una joven con el pelo azul, sus sentimientos y su identidad se volverán confusos.Su atracción por una mujer y el descubrimiento de su sexualidad marcará el camino de la madurez en la vida de Adéle.
Adaptación de la novela gráfica "Blue"de Julie Maroh.


Abdelatiff Kechiche, tunecino conocido en el cine francés como alguien que sabe retratar la realidad sin tapujos, tal cual, como la vida misma. 
Para poneros un poco en pre aviso de su metodología será justo contar la información que he recabado. Ha llevado al límite a los actores hasta el punto de que las protagonistas no le hablen. Bajo esa fachada de "buen rollo" que lucían en Cannes se esconde la realidad del film. Sus exigencias en cuanto a realismo se refiere se tradujeron en dos escenas. La famosa escena sexual que parece que es lo único de lo que quieren hablar los detractores.Y la de la discusión entre las protagonistas donde Kechiche exigió realismo, fiel reflejo en la escena. Pero no desvelo más, esta no es una crítica con spoiler de por medio.


Siento que he tenido un coito sin interrupciones, que he vivido los instintos sexuales de una pareja que goza de su cuerpo y de sus sentimientos. Pero vayamos por partes, porque así lo requiere el film.

Tenemos la primera parte donde vemos una Adéle perdida en el desconcierto de su sexualidad. Cuando realmente descubre lo que quiere es cuando la atracción y el amor se cogen de la mano de Enma y viajan juntas en el desconcierto de Adéle. En ese momento hay una lucha interior entre las bases establecidas por la sociedad heterosexual y sus verdaderos sentimientos.

En ese camino en su vida, aparecen los celos, la soledad y la pena. El reflejo de la vida contado con los ojos de Adéle. El pelo azul rebelde se convierte en rubio, como si fuera un semáforo que avisa que los tiempos cambian y que el tiempo no pasa en vano en el amor.
No hay fisuras en la narración, hay detalles constantes, planos cortos que invitan a descubrir su vida, lo que siente y como lo siente.

La sexualidad explicita no hace más que elevar la obra a realismo puro y acerca al espectador a la ternura, la pasión y al sexo sin codificar. Quedo embrujado por cada ápice del cuerpo de Adéle; es belleza esculpida en la pasión de Enma, las bellas Artes. 
Tenía mis dudas porque creo que la homosexualidad en el cine no siempre ha sido entendida y se ha llenado de tópicos y retórica de alcoba.
Film valiente sin reservas y con altas dosis de registro culto endulzado con literatura que hace de la historia una metáfora y refuerza mi idea de que transmitir emociones en la pantalla es posible.


Este film deja un reguero de sensaciones constantes, con una genial multicultural banda sonora que sabe pasar de estado líquido a gaseoso como si de una formula química se tratara. Sólo me queda dar las gracias a Kechiche por poder gozar del cine en su máxima expresión. 


NOTA: 8,5

LO MEJOR: La sencillez de sus labios desnudos, su naturaleza intrínseca la convierte en envolvente y atrapa.
LO PEOR: El desdén con el que ha sido tratado en cartelera y por los espectadores. Una pena que el cine con profundidad se difumine por sus 180 minutos y otros prejuicios.
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domingo, 3 de noviembre de 2013

Only God Forgives (Solo Dios Perdona)



En Bangkok, Julian, un fugitivo de la justicia estadounidense, dirige un club de boxeo tailandés que actúa como tapadera para su negocio de tráfico de estupefacientes. Billy, el hermano de Julian, ha sido asesinado tras haber matado salvajemente a una joven prostituta. La madre de ambos, jefa de la organización, viajará a Bangkok en busca de venganza. Julian deberá entonces enfrentarse a Chang, un extraño policía jubilado, adulado por los demás policías.

Nicolas Winding Refn nos hace esperar 2 años después de la entretenida Drive, suficiente tiempo para crear una obra digna de su antecesora, suficiente para como mínimo entretener.
Pero demasiado bonito para ser verdad. Si me ciño a la estética visual quedo satisfecho, con una fotografía cargada de quilates y con un cierto halo de intriga prematura que se diluye con el paso de las escenas.



No quería creer que la polémica del mes pudiera ser una historia pésima ya que los fans de Gosling y Winding lo esperábamos con ganas y con intenciones de pasar un buen rato. Nada más lejos de la realidad, he sufrido una siesta estando despierto. A mi no me asusta la crudeza, ya que soy fan de Tarantino y en sus films no escasea, pero si algo lo diferencia del resto es que no se convierte en predecible y vulgar. Sólo Dios perdona consigue que la katana del poli jubilado Chang traspase la pantalla y me raje las tripas hasta provocarme nauseas.



Pensé que nunca diría esto, pero Gosling puede y debe salir de la filmografía de este director porque si no lo hace, creo que ni "DIOS SE LO PERDONA".
Si han visto el trailer, ya han visto toda la película, nunca un producto fue tan bien vendido en su totalidad. 
Historia simple, ramplona y cargada de un halo de intriga más predecible que una comedia americana. Me parece extraño que mentes que aprecian la cultura como son los franceses inviertan en un film con tan poco estilo y con contagiosas luces de lupanar, que hacen de la historia algo insultante para cualquier mente lúcida.

Si queréis un consejo, id con vuestra pareja o amigo y hablad de cualquier cosa que no sea este film. Yo no lo he hecho y me siento invadido por la estupidez.



LO MEJOR: La fotografía
LO PEOR: Que films mucho mejores se queden por el camino en la cartelera por culpa de productos como este.

NOTA: 4,5

LINK: http://www.peliculasyonkis.com/pelicula/only-god-forgives-
PARA QUIEN SE QUIERA CERCIORAR DE MIS PALABRAS.
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miércoles, 9 de octubre de 2013

Prisoners (Prisioneros)


Keller Dover se enfrenta a la peor pesadilla de un padre. Anna, su hija de seis años, ha desaparecido junto a su amiga Joy. Y a medida que las horas se convierten en días le invade la desesperación. Ante la situación, decide ocuparse personalmente del asunto pero, ¿hasta dónde está dispuesto a llegar un padre para proteger a su familia.?

Dennis Villeuneve, el director independiente quebequés (Canada), ha dado este año el salto al cine de gran presupuesto con el drama "Prisoners" protagonizada por el australiano Huck Jackman.
Soy admirador confeso de David Linch y consciente de su capacidad para este tipo de thrillers, como bien nos reza en otro de sus films, es cine para minorías. Hago referencia clara a los giros inesperados y a un cine cuidado, cargado de detalles, como es el caso de Enemy.



Hace un mes que leo maravillas de este film y es inevitable dejarme embelesar por esta cinta. Bajo todas estas señas de identidad uno tiene la certeza de que con un reparto de actores con poso, la historia va a mantener mi atención. Pero no solo eso, sino que hipnotiza y lo hace por diferentes motivos: una temática complicada llevada al máximo exponente de drama y un padre que busca a su hija sin cesar, teniendo la sensación de que está solo y que su único consejero es su propia mente, y su mejor testigo su fe.



He visto en Hugh Jackman el dolor de Sean Penn en la gran Mystic River y en Jake Gillenhaall ese Brad Pitt de Seven ansiando resolver el caso.Y además, unos secundarios de lujo que envuelven el film de la carga emocional necesaria.
Es una historia en el que uno persigue sombras, las incongruencias se apoderan del espectador, además de la tensión de los personajes, que consigue traspasar la pantalla. Es un thriller de los que uno espera ver cada año en cartelera, con una estructura perfecta y una buena dirección.


Cinéfilo, no esperes ni desesperes con el film, tan sólo disfruta de una película oscura y bien hecha.
Los 146 minutos son un paseo. Uno sabe que la historia necesita cocerse como si de un buen guiso se tratara. Sólo con esa cocción es posible dotar a la película del dramatismo necesario, para poder desmenuzar el film mentalmente.


NOTA: 8

LO MEJOR: Descubrir que Huck Jackman es un gran actor. Hay vida después de Lobezno.
LO PEOR: Film que, para mi gusto, es bastante oscuro. Pero por otra parte lo entiendo, aunque no me acabe de convencer.

LINK: http://cinegolden.com/885-prisoners-2013-online.html Leer critica Prisioneros en Muchocine.net

domingo, 6 de octubre de 2013

Gravity


Durante un paseo espacial, dos astronautas sufren un grave accidente y quedan flotando en el espacio. La doctora Ryan Stone (Sandra Bullock) es una ingeniera espacial en su primera misión en la Shuttle. Su acompañante es el veterano astronauta Matt Kowalsky (George Clooney). Durante el paseo, un satélite que dista a kilómetros de ellos es destruido y los restos orbitan por el espacio cruzándose en la trayectoria de los protagonistas y dejándolos deambulando por el espacio. Ahora su misión es encontrar la manera de volver a la Tierra.


El director mexicano Alfonso Cuarón no es un desconocido en nuestro país: nos mostró a una Maribel Verdú con ganas de pasarlo bien en su pretenciosa road movie "y tu mamá también". También tuvo su taquillazo con Harry Potter y el prisionero de Azkaban. Un director de contrastes que sabe lo que quiere y como lo quiere, la muestra más clara es "Gravity".

Imprescindible verla en 3D por muchos motivos, pero el principal es por la ausencia de gravedad; eso da un juego al filme,como su titulo reza. 
La aparente quietud que nos da el espacio exterior se maneja con dinamismo y con una fuerza visual que dota al film de la épica justa para convertirla en un film que atrapa.


El principio dicta sentencia, la aparente calma se trunca. La acción es irreversible, pero lejos de lo previsible que a uno le pueda resultar. 
Me siento parte del traje de la doctora Stone, siento sus giros de 180 grados y la sensación de angustia se apodera de mi mente. Miles de respuestas a los problemas de Stone se gestan en mi, quiero que el oxigeno riegue sus neuronas y sea capaz de quitarse la angustia y que, con la ayuda de Kowalsky , consigan llegar a la estación internacional. 
Clooney con su toque irónico y Bullock con su parte lacrimógena hacen del dúo una apuesta acertada

Toda la narrativa transcurre en el espacio y sólo con unos buenos diálogos puede sostenerse, la música se antoja esencia del film, la grandeza del universo ejerce de enseña fotográfica perfecta. Gran trabajo de padre-hijo Cuarón. Han sabido captar la esencia de la gravedad cero y jugar con la Doctora Stone como si de un libro de autoayuda se tratara, dejando un poso emocional profundo .


Muchos dirán que soy un exagerado y que no es para tanto, pero yo creo que en 90 minutos hay un punto en que hacer de este film algo pasajero era sencillo. Pero saber gestionar la acción con sabiduría y talento es sólo virtud de unos pocos. 

Consejo para navegantes, vais a tener jaqueca os pongáis en la fila que os pongáis, me puse todo lo arriba que pude pero la profundidad y el juego de cámaras del film fue tal que no pude evitar un dolor de cabeza gustoso pero no angustioso, propio de un viaje espacial con destino la Tierra.




LO MEJOR: El momento fetal de la doctora Stone, simboliza tanto con tan poco.
LO PEOR: Que su estreno pueda ser eclipsado en una semana de buenos estrenos.

NOTA: 8


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miércoles, 2 de octubre de 2013

Las brujas de Zugarramurdi




Dos parados (Mario Casas y Hugo Silva) y huyen perseguidos por la policía (Pepón Nieto y Secun de la Rosa) y por la mujer de uno de ellos (Macarena Gómez). Así se adentran en los bosques de Navarra y ahí caerán en las manos de unas brujas que se alimentan de carne humana.

Álex de la Iglesia es, sin duda, uno de los directores con más parangón del panorama nacional y con una línea claramente ascendente, si me refiero a datos de taquilla, es decir, que cuenta con la aceptación del público. Sin embargo, Álex produce en mi efectos desconcertantes. En mi retina están las mejores escenas de humor negro que recuerdo, pero suscita en mí el reproche y la queja en este film por empezar bien y perderse en el caos del film.


Yo he gozado de los mejores 30 minutos que recuerdo de la filmografía de Álex: intensidad, locura y situaciones surrealistas de la mano de ese director que ejemplificó la teoría del caos en El día de la bestia. Pero esta vez con más dinero y con Los Hombres de Paco como peso importante de la cinta.
Apuesta segura a caballo ganador, De La Iglesia no es tonto y tiene clara la fórmula que en televisión reportó tanto éxito.


Por tanto, dicho lo cual, uno ya se puede hacer una idea de lo que va a ver en cuanto los gags empiezan. Bajo mi punto de vista peca con un excesivo lenguaje machista que en un principio puede resultar gracioso, pero que luego se convierte en tedioso. Sigo viendo a Carolina Bang (la bruja sexy) como la novia de Álex que ameniza el film pero que sus papeles son muy lineales. 
Genial la pareja Secun de la Rosa - Pepón, química que asegura risas. El niño (que hace de hijo de Hugo Silva) responde con efervescencia cuando las escenas de humor acompañan. Secundarios de lujo como Areces y Segura que no hacen que me muera de la risa pero cumplen con el objetivo de sus intervenciones, brujas, travestis y salidas.

Justo cuando entran en Zugarramurdi la historia se torna surrealista, sin hilo y con un guión que pierde fuelle y se vuelve descabellado como una bruja sin escoba. Solventa el caos una genial  Carmen Maura que pone la sensatez en este aquelarre de brujas de "The walking dead". Porque otra cosa no, pero deja vu con series he tenido unos cuantos.

Sería injusto acabar con injurias y calumnias, Álex me parece un tío valiente, lo fue cuando fue Presidente de la Academia con un discurso soberbio y lo es ahora, porque siempre crea las historias sin más finalidad que la de entretener y lo consigue, sin aspavientos ni acritud.





NOTA: 6

LO MEJOR: La inyección de adrenalina en unos 30 minutos vertiginosos.
LO PEOR: Su intensidad se diluye porque el caos se apodera de la historia, transformándola en aceptable.



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lunes, 30 de septiembre de 2013

Rush



Nos situamos en 1976 cuando la Formula 1 se convierte en la pista de batalla entre dos personajes celebres; Niky Lauda y James Hunt, su rivalidad marcó una época. Ese mismo año Lauda sufrió un accidente que casi le cuesta la vida y que marca la vida de los dos personajes.

El director Ron Howard conocido por largometrajes como "Una mente maravillosa" o "Apollo 13", nos presenta una cinta poderosa en su ejecución y fascinante en su consecución. El guionista Peter Morgan, conocido como dramaturgo y más famoso por escribir films históricos, tiene culpa del éxito del film
Con una música de Hanns Zimmer que envuelve la historia en un halo de grandeza y la transforma en poderosa. Por primera vez en el cine, uno penetra en la mente del piloto y sabe de su percepción. Mezclar la pasión del motor con el detalle más visual, hace  la historia sumamente interesante.

James Hunt y Niki Lauda convergentes en su pasíón por el automovilismo pero divergentes en sus personalidades. Hunt loco por la velocidad, temerario y mujeriego su fin ser campeón del mundo.Lauda en cambio es introvertido, calculador y frío. Personajes que confluyen en boxes y no se despiertan ninguna simpatía,enemigos que se alimentan el uno del otro con su competitividad. Pero el accidente de Lauda marcará un antes y un después en sus vidas.



Logra trazar las vidas personales y deportivas de una manera amena y hacer de la Formula 1 algo creíble, tarea nada fácil y un terreno inescrutable hasta hoy. Debo decir que volví a sufrir mi enésimo viaje, esta vez de la mano de un piloto alemán con sombras y de otro británico con pocas luces que resulta ser la parte de humor que la película necesita. Historia de superación personal con una fuerte carga emocional y tintes victorianos.

James Hunt encarnado en el eterno "Thor" (Chris Hemsworth) ha logrado sorprenderme y despertar en mi no sólo simpatía, sino que he descubierto que es más que un físico y que es capaz de interpretar. Quiero hacer mención especial a Daniel Brühl que está soberbio. Si uno analiza los gestos y su mirada tiene ante sus ojos al clon de Niki Lauda, gran actor que debe empezar a tener presencia en Hoollywood, ya que su talento es sinónimo de buen film.

Para todo lo demás solo me queda invitaros a que os pongáis los cinturones y os dispongáis a viajar al año 76, el título del campeón del mundo está en juego. Adrenalina en estado puro, con motores rugiendo sobre el asfalto.

NOTA: 8


LO MEJOR: La genial caracterización y las carreras con  su justa carga de acción
LO PEOR: la escabrosa imagen del sufrimiento de Niki Lauda


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domingo, 15 de septiembre de 2013

La gran familia española



Una boda transcurre durante la final del mundial de fútbol de Sudáfrica. Cinco hermanos con nombres bíblicos se reúnen para celebrar la boda del benjamín del grupo. La locura colectiva del fútbol se apoderará de los protagonistas haciendo de sus vidas un partido, donde defender y atacar, ganar o perder no son una opción.

Daniel Sánchez Arévalo, convertido en el nuevo interventor del cine de comedia en nuestro país, se consagró con Azuloscurocasinegro, con un genial Quim Gutiérrez. De ahí su paso a la comedia con Gordos y posteriormente con Primos.
Cabe destacar su campaña comercial, donde sabe que combinar fútbol y una familia simpática, es sinónimo de caballo ganador. Llega al público y acierta de pleno, guionista que con una comedia ligera nos esconde complejidad tras su forma aparentemente sencilla.
Sin embargo, sus altibajos convierten la chispa en algo momentáneo y carente de regularidad.




La familia se reúne, pero la sombra de los secretos planea en la boda. Y con la Roja como telón, se nos desgrana la vida de los personajes, pasando por sus emociones y sus altibajos. Sin embargo, Arévalo no convierte esta comedia en trivial, sino que la dota de un sello propio. Su actor fetiche Quim Gutiérrez es parte importante por ser el hermano mayor y responsable de la familia. En torno a él gira un elenco de actores consagrados y jóvenes con ganas de despuntar. La conjura de Arévalo es buena, pero hacerlo brillante no es sencillo, aunque su tono de comedia mejora con respecto a sus anteriores trabajos.






Inaceptable relegar a Raúl Arévalo a un mero animador y desperdiciar su talento, porque si algo demostraron en su anterior film es que la mezcla Gutiérrez-Arévalo es comedia en estado puro. Pero lejos de mi indignación temporal, el retrato de generaciones distintas, de maneras de entender el amor y de lecciones de vida, en eso esta cinta es un espejo donde mirarse.
La música está bien vinculada a los estados emocionales, sabiendo dar esa chispa y siempre con el tono y la medida certera, sin fisuras.

Cuando salgo del cine, salgo como en shock, siempre con el viaje fotograma a fotograma en mi mente. Esta vez siento que por momentos me han logrado hacer reír ,aburrirme y hasta emocionarme. Objetivo cumplido, sin pretensiones de ver una obra maestra. Pero sabiendo que el director puede ofrecernos más. Aún así ya es un referente en la comedia en el cine español.


NOTA: 6

LO MEJOR: La música, que sabe lograr la esencia del film y el final, inesperado.
LO PEOR: Sus altibajos, como si de un partido de fútbol se tratara.




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miércoles, 11 de septiembre de 2013

You're Next (Tú eres el siguiente)



La familia Davison es atacada por un grupo de asesinos durante un encuentro familiar. En su casa de vacaciones plantan cara a los asaltantes.Sin embargo,los asesinos no cuentan con la presencia de Erin, la novia del hijo mayor de los Davison, cuyo misterioso pasado la convertirá en difícil de matar.

En el 2011 este film se proclama ganador como mejor película, director, guión y actriz (Vinson) en el Fantastic Fest.

De la mano de Adam Wingard llega uno de los "slashers" más esperados de este año, aclamado por crítica y públicon con la misma intesidad nos presenta una historia que no sorprende, pero sí entretiene.

La historia, sin ser compleja resulta efectiva. La premisa es clara, crear un ambiente de tensión y darle un halo de sadismo sin caer en la sangre como recurso. Ese es el mérito más destacable del director, sabe jugar los tempos y, por momentos, sorprendernos. 
Para los fans del terror habrá discordia; muchos la adorarán por ser una mezcla de Destino Final y Scream. En cambio, otros la detestarán por no ser un terror con sangre e hígado, sino uno de acción - reacción. 
La propuesta logra captar la atención los primeros 45 minutos pero con el paso de las escenas resulta previsible. Llegando a provocar risas en la sala, pero no seré yo un spoiler. Juzgad vosotros mismos, sin tener en cuenta mis palabras, tan solo gozando de lo que os permita el film. 
Si vuestras pretensiones son las de entreteneros y pasar un rato hasta cierto punto agradable, este es vuestra película. Atendiendo a mi intuición, entiendo que el género está atravesando por sus mejores momentos, con propuestas como esta o Expediente Warren, pero echo de menos algo diferente y novedoso. Lo que en su momento supieron hacer filmes como Saw, aunque sobre explotados en exceso.

NOTA: 6

LO MEJOR: Consigue su propósito; entretener. Lou Reed echa el resto con una buena banda sonora.
LO PEOR: Acaba siendo previsible. 






lunes, 9 de septiembre de 2013

Barcelona nit d'estiu (Barcelona noche de verano)



La noche del 18 de agosto de 2013, el cometa Rose cruzó el cielo de la ciudad de Barcelona, ofreciendo un espectáculo que no volverá a producirse hasta dentro de  varios siglos. Esa noche hubo 567 historias de amor, yo te contaré 6.

Dani de la Orden, director novel que ha sabido rodearse de buenos productores, como son Jose Gorbacho y Andreu Buenafuente (El terrat). Esta es su primera película coral, con más de 20 actores y con un género que ya de por sí no es fácil; la comedia. Con un estilo fresco y demostrando que su admiración por Cesc Gay es contagiosa, hacen de él uno de las sorpresas de este año.

La historia nos sitúa en Barcelona con 6 historias que tienen un nexo en común, el amor. Sus diferentes fases se encuentran entrelazadas por el anhelo de este en unos casos y por los entresijos de él en otros.
La fotografía es parte importante de la cinta, no sólo descubrimos el motor que mueve a los personajes, sino que hacemos una pequeña inmersión a grandes rasgos de la ciudad.



Elegancia y derroche de talento en las diferentes cataratas de planos y miradas personales trasladan emociones al espectador y le descubren sus vidas. Hay un buen trabajo en el casting y por parte de los actores, pero el talento del director convierte lo simple en eficaz. Sabe captar los momentos y recrearlos con suma delicadeza, cargando de la intensidad justa y necesaria.

Tenemos amor adolescente, amor gay, amor con predictor y amores platónicos. La metáfora del cometa es indicativo de que el amor, si esperas, pasa y sólo te queda admirarlo.

La música de Joan Dausà adereza la cinta con el ritmo necesario para convertirla en magnética y profunda, como si de un enamoramiento se tratara.

No creo que haya visto una comedia pastel, más bien un film hecho con buen gusto, con diálogos dinámicos y con la sensación de que el entretenimiento en este tipo de historias, es posible.


NOTA: 6,7

LO MEJOR: La belleza de sus imágenes y los actores, 95 minutos de gozo visual.
LO PEOR: Hay algún altibajo, algún diálogo prescindible.



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miércoles, 4 de septiembre de 2013

Cruce de caminos (The place Beyond the pines)



Luke (Ryan Gosling), un motorista que trabaja como especialista, decide ponerse en contacto con un antiguo lío amoroso, allí descubre que ella ha tenido un hijo suyo. Entonces decide cambiar su vida nómada y poner todo su empeño en ejercer de padre.

Dereck Cianfrane, catapultado al éxito con "Blue Valentine", nos brinda una cinta peculiar, con similitudes musicales con su anterior film y con un elenco de actores muy dispares. A la cabeza Ryan Gosling, electrizante, de principio a fin sabe transmitir la esencia de la historia. Una Eva Mendes que iba en el contrato (pareja de Ryan) y que el registro le viene grande, queda claro que su proyección está limitada en otro tipo de films. Sin embargo, el caso de Bradley Cooper es muy distinto, actor venido de menos a más, sabiendo proyectar su carrera hacia cotas más altas.

El eje principal de la historia es Luke (Ryan Gosling) perdido en la vida le encuentra sentido con la aparición de su hijo, luchará por encauzar su camino hacia una felicidad creada a base de errores. 
Caras distintas para vidas entrelazadas por la cruda realidad, la del "poli" bueno y la del delincuente, destinos dispares que se cruzan cual moneda gira en el aire y como si de caras opuestas se trataran se convierten en estigmas.

Historias separadas en tres actos, definidos como algo imprevisible para el espectador, mediante una atmósfera inquietante que logra llevar al espectador a la emoción perpetuada. Escenas creadas de manera inteligente, como si de una epopeya se tratara. Actores secundarios que embriagan cada escena, la mirada de Ray Liotta es inquietante y cada uno de sus secundarios logra rubricar la historia en tintes dramáticos sin necesidad de ser funestos.
La mirada de Cianfrane resulta peculiar por su facilidad para crear cargas emocionales y trasladarlas al espectador sin fisuras.
Para amantes del cine complejo, lleno de matices y cargado de luces y sombras. Los fans de la cruda realidad tenemos en el director de Blue Valentine a nuestro mentor.


LINK:http://www.peliculas4.com/ver-cruce-de-caminos-2012-online-10-6829.html

NOTA: 8

LO MEJOR: Gosling suma motivos para tener un Oscar (sabemos que no gana el mejor) para mi tiene un lugar en el podio de los grandes del séptimo arte

LO PEOR: El final, te deja frío y dices: "vale, bueno, de acuerdo"




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lunes, 2 de septiembre de 2013

Kick Ass 2 Con un par




Llega la secuela de Kick Ass, esta vez a las ordenes de Jeff Wadlow. La historia nos sitúa en Nueva York con una nueva oleada de superhéroes que se suman a la causa, con el emblemático Coronel barras y estrellas encarnado por Jim Carrey, además de una serie de variopintos, pero efectivos compañeros.
Pero será Hit Girl quien encarne el papel de heroína más relevante, puesto que Kick Ass sabe que es el modelo a seguir.
Sin embargo, ella sufrirá una crisis que le hará replantear su complicada vida de superhéroe adolescente.
A todo esto se suma un super villano peculiar, el hijo del malogrado villano del anterior film, un "Bruma roja" venido a más y convertido en "Hijo puta", con un séquito que tiene como fin sembrar el terror y matar a Kick Ass.

Reconozco que esperaba con ansia esta entrega, sabia que podía y debía ser mejor que la primera, porque el cómic destila un estilo marcado por la violencia y la expresividad de los personajes, por tanto era "relativamente" fácil plasmarlo en una pantalla de cine.
Desde el minuto 1 que cayó en mis manos Kick Ass supe que podía convertirse, no en un cómic de culto, pero si en un parodia brutal y divertida.
Sucumbí al descaro de Hit Girl (Chloe Graze Moretz) que me embrujó con su violencia y su vulgaridad cargada de ironía. Pero la pequeña se nos ha hecho mayor y su mezcla de Portman i Johansson la van a convertir en una actriz a tener en cuenta.
El papel de Jim Carrey es salsa para el picante, desde aquí agradecerte tu ataque de pudor a la violencia del film, has provocado un efecto publicitario tremendo 
El supervillano aparentemente inofensivo, se convierte en un "hijo puta" importante y en el que se centra la acción principal de los personajes. Su aparente fragilidad le convierte en peligroso y subversivo.

Todos los que desconocen el cómic les invito a que lo lean, John Romita Jr es uno de los mejores dibujantes de superhéroes de la últimas décadas.
Porque si algo le sobra al film es dinamismo y eso es mérito del cómic. Si te preguntas qué vas a ver, sólo te diré que el director es un fan de Tarantino y eso se nota, su predecesor dejo el listón en modo modoso, pero él lo ha elevado a la categoría de oda a la violencia.
Uno sale del cine con ganas de defender su ciudad como si de un superhéroe se tratara, su sadismo puede resultar escatológico pero son las señas de identidad de Kick Ass.

Me quedo con una cita del film que reza lo siguiente: "para ser un superheroe no hace falta ser un tipo duro, sólo hace falta ser valiente"
Sexo, diversión torrencial y lenguaje carente de vergüenza. Yo, después de esta catarata de adrenalina, sólo espero Kick Ass 3 para enfundarme el traje de fan de la historia.

NOTA: 7,5

LO MEJOR: La propuesta gamberra y fiel al cómic original
LO PEOR: Que si uno no sabe que se debe esperar a los créditos finales,se pierde la escena final




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domingo, 11 de agosto de 2013

Expediente Warren (the Conjuring)





La película esta basada en la historia real de la familia Perron y sus encuentros sobrenaturales en su casa de Rhode Island. Ed y Lorraine Warren, investigadores de renombre en el mundo de los fenómenos paranormales, son llamados por una familia aterrorizada por una presencia oscura en una granja aislada. Obligados a enfrentarse a una poderosa entidad demoníaca, los Warren se encontraron atrapados en el caso más terrorífico de sus vidas.


El  visionario director de Saw, James Wan, nos presentó una nueva manera de hacer cine de terror, en este caso jugando con anticiparse a las sensaciones del espectador, haciendo de esta saga una de las franquicias más rentables y que, en su origen, fue una revolución,diluyéndose como es lógico ante tantas partes.

Los espectadores de cine de terror son consumidores leales pero no por ello conformistas, es por eso que en el calor de la cartelera más comercial se cuela una cinta con mucho parangón. Para los que aborrecemos el cine de terror por su falta de originalidad y que justo en el principio ya sabemos cómo va acabar, tenemos una nota de color con un resultado efectivista.

Los Warren no son exorcistas, ni se nos presentan como los Mulder y Scully del terror; son una familia que persigue fenómenos paranormales y busca rescatar vidas despojadas por las fuerzas malignas.
Ese toque familiar los hace cercanos y se les presenta el caso de los Perron, una casa inquietante que esconde una historia trágica que les perseguirá. 

Reconozco que me pasé el film diciendo qué iba a pasar, suelo hacerlo en filmes de terror (que me perdonen sus fans) pero resultan más previsibles que una comedia americana. No acerté ni una y es sólo por un motivo, se anticipa al movimiento del espectador con un juego de cámara perfecto que conjuga tensión con terror en estado puro.
Escenas recurrentes pero con distinto final y con profunda convicción de que el terror es posible, que los trazos del pasado hitchconiano hacen su cameo y que las facciones de Vera Farmiga (La mujer warren) son translúcidas y que sus ojos reflejan el miedo más absoluto.

Mi miedo era precisamente no pasar miedo y acabar dormido, pero el efecto fue viagra. Mis ojos como platos hicieron seguimiento fotográfico de cada movimiento, causando pavor y expectación en cada escena.
Muchos dirán que soy exagerado, pero son años sin sentir estas emociones, porque para mí el cine de terror era insultante y pura parodia.

Demostración de que trasladar miedo a la pantalla es posible. Háganse un favor y ambienten su salón o sala de cine de la manera más lúgubre posible y viajen sin miedo al pasaje de los Warren.
Entretenimiento asegurado.

NOTA: 7

LO MEJOR: Sus movimientos entremezclados, la rapidez y la pausa son dignas de mención
LO PEOR: El final




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